Critique du film 'Ride Your Wave': Masaaki Yuasa fait sensation avec une romance à base d'eau

0
96

L'eau, en tant que vecteur de romance et de spiritualité, a été en vogue récemment dans l'animation de longs métrages japonais. Les entrées dans ce sous-genre humide, où les jeunes personnages sont aux prises avec des pluies torrentielles et des océans pour un effet éblouissant, ainsi que des leçons de vie immergées dans des métaphores basées sur la nature, incluent le succès au box-office de Makoto Shinkai, «Weathering With You», le prochain «Children of the Ayumu Watanabe» Sea »et le conte de sirène de Masaaki Yuasa« Lu Over the Wall ».

Revenant à cette magie liquide, Yuasa, qui produit des films par le biais de sa propre société Science Saru, fait un nouveau plongeon avec son troisième long métrage en trois ans "Ride Your Wave", écrit par Reiko Yoshida, qui a également écrit les vedettes d'anime récentes "Okko's Inn, »« Une voix silencieuse »et« Liz et l'oiseau bleu ». Malgré la saturation des films pour adolescents alimentés par H2O, le couple réalisateur-scénariste filtre une histoire d'amour à travers une prémisse étrange abordant l'héroïsme et la persévérance avec des notes robustes d'originalité graphique.

Surfer sur les rives d'une petite ville côtière, l'étudiante en océanographie Hinako (exprimée par Rina Kawaei), doit non seulement diriger les vagues littérales sous sa planche, mais aussi se préparer aux eaux agitées que le destin lui réserve quand elle tombe amoureuse du pompier Minato (Ryôta Katayose), un chevalier en armure étincelante avec un talent pour cuisiner des omelettes et faire du café artisanal.

Les montages sirupeux d'affection lovey-dovey arrivent dans un montage qui résume succinctement toutes les façons dont ils sont parfaits ensemble. Plus tard, alors que le film passe à son deuxième acte plus loufoque, une conversation aux chandelles entre le couple résume la thèse du film: résister à nos pires moments, alors que nous aspirons à des jours plus ensoleillés, est lui-même un acte de bravoure. "Vous êtes génial en tout, n'est-ce pas?" s'enquiert Hinako, se sentant gêné par les compétences qui lui manquent, ce à quoi il répond: "Je n'ai jamais été particulièrement bon à quoi que ce soit", avant d'avouer qu'il était obsédé par ses lacunes et surcompensé par ses dépassements.

Leur discussion sur les insécurités et la promesse d'un soutien mutuel – en mettant l'accent sur combien Hinako pense qu'elle a besoin de lui pour s'en sortir, même s'il la rassure autrement – débordent de sincérité. Une telle introspection lucide est presque devenue un trait caractéristique de l'écriture de Yoshida; ses scripts modulent de manière experte la gravité avec du faux.

Voici quand "Ride Your Wave" tire le tapis de dessous nous avec un accident mortel qui engendre une apparition liquéfiée. Tout comme la musique appelée Lu hors de la mer, ici Hinako chantant une chanson sur, bien sûr, l'eau invoque le fantôme de sa bien-aimée Minato de retour des limbes de l'au-delà, mais seulement s'il y a du liquide vital à proximité, sous quelque forme que ce soit: à l'intérieur d'un toilettes, dans une bouteille, un étang, l'océan lui-même, ou le remplissage d'un marsouin sans fin (son animal préféré). Hinako pose tout de même les mêmes questions que l'on a sur la mécanique de son retour, mais obtient peu de réponses.

Pour Yuasa, dont les créations animées fantastiques ont tendance à avoir des corps élastiques pour une expression maximale, un personnage limité à apparaître à l'intérieur d'une substance fluide, comme s'il nageait perpétuellement, se sent parfaitement approprié. Moins prononcée que dans ses œuvres plus surréalistes comme «Mind Game» à «The Night is Short, Walk on Girl», la liberté de mouvement qui fascine le réalisateur toujours présente dans la physiologie intangible de Minato et dans la façon dont il interagit avec Hinako.

Intégrant des effets numériques (principalement dans la représentation de l'eau et des feux d'artifice) avec des composants dessinés à la main, Yuasa et son équipe réutilisent et élèvent ce qu'ils avaient maîtrisé dans une entreprise comme «Lu Over the Wall». Un dernier morceau de décor à l'intérieur d'un bâtiment en flammes enveloppé dans un plan d'eau d'un autre monde étonne, tout comme, plus modérément, l'utilisation de silhouettes au coucher du soleil, les angles de caméra inhabituels et l'utilisation du point de vue à la première personne de Minato. Pour l'humour visuel, faites attention aux œufs de Pâques amusants faisant référence à la filmographie de Yuasa, en particulier au merdoggie de Lu (un chien sirène).

Les personnages satellites Yoko (Honoka Matsumoto), la sœur à la langue acérée de Minato et Wasabi (Kentarô Itô), son timide copain pompier, rejoignent Hinako en deuil du mieux qu'ils peuvent, tout en luttant contre le doute de soi et en cherchant du courage dans les petites victoires. . Situer le film parmi un groupe de personnes liées aux pompiers aide à transmettre la notion que tout le monde est héroïque dans une certaine mesure, à l'exception d'une révélation sur le passé commun des amoureux dans la prévention des tragédies qui est beaucoup trop pratique.

Cependant, là où «Ride Your Wave» échoue, c'est en laissant le téléspectateur faire son message déjà saillant sans l'exprimer explicitement. Minato et Hinako parlent à plusieurs reprises de surfer sur les vagues de la vie, à tel point qu’à un moment donné, elle perd un peu de sa puissance et se lit comme une surpuissance, contrairement à l’approche adoptée par Trey Edward Shults intitulée à juste titre «Waves» avec le même concept.

Sous-estimé par rapport à ses pairs, Yuasa est l'un des réalisateurs d'animation les plus passionnants et inventifs qui travaillent aujourd'hui. Et bien qu'il ne reçoive pas toujours la reconnaissance que méritent ses œuvres, il y a une vivacité, une musicalité et une excentricité riche dans son œuvre qui le place sur son propre île artistique.

Imaginativement sincère, "Ride Your Wave" ne constitue pas son effort suprême, mais il est suffisamment invitant pour persuader un public qui ne le connaît pas de plonger les pieds puis de plonger pleinement dans la profondeur de son imagination, où l'émerveillement l'attend.

La

10 meilleurs films d'animation des années 2010, de "Spider-Verse" à "Inside Out" (Photos)

  • On ne peut pas s'y tromper: le médium d'animation a absolument explosé dans les années 2010, avec des films sur tous les médiums, de partout dans le monde, et pour chaque public possible atteignant des sommets artistiques incroyables tout au long de la décennie. Limiter les meilleurs films d'animation des années 2010 à seulement 10 choix était pratiquement une course de dupes, et a conduit à de nombreux sacrifices de films drôles, poignants, passionnants et tout à fait uniques qui – un autre jour ou dans tout autre décennie – aurait pu facilement comprendre toute cette liste à la place. Mais ces 10 longs métrages d'animation sont indéniablement dignes d'être célébrés et acclamés, et semblent destinés à captiver le public de l'avenir autant qu'ils l'ont fait pour le public d'aujourd'hui.

  • Finalistes (par ordre alphabétique): «Captain Underpants: The First Epic Movie», «How to Train Your Dragon 2», «The Illusionist», «My Life as a Zucchini», «The Pirates! Band of Misfits »,« Rango »,« Song of the Sea »,« The Wind Rises »,« Wolf Children »,« Your Name »

  • 10. "Frozen" (2013)

    L'adaptation lâche, lâche et lâche de Disney de "La Reine des neiges" de Hans Christian Andersen est si largement populaire qu'il est facile d'oublier à quel point elle mérite vraiment d'être saluée. Le film d'animation CG de Chris Buck et Jennifer Lee raconte l'histoire des sœurs royales, Anna (exprimée par Kristen Bell) et Elsa (Idina Menzel), qui sont déchirées par la révélation des pouvoirs secrets de gel d'Elsa, qui ont fait vivre la sœur aînée. dans la peur et l'isolement depuis l'enfance. Une saga captivante d'amour familial, qui subvertit de manière ludique les tropes de princesse Disney conventionnels tout en revigorant le genre pour une nouvelle génération. Les chansons sont toutes intelligentes et entraînantes (OK, peut-être pas tant le troll), mais l'hymne de puissance de l'outsider "Let It Go" va au-delà et envoie "Frozen" en plein essor dans un territoire instantanément classique.

    Walt Disney Studios

  • 9. "ParaNorman" (2012)

    C’est un plaisir de voir LAIKA se faire un nom en s'adressant aux enfants étranges et à tous les adultes qui n’ont jamais abandonné leur bizarrerie. "ParaNorman" est le meilleur film du studio de la décennie – pas un petit exploit – et raconte une histoire effrayante sur un enfant ostracisé, Norman (Kodi Smit-McPhee), qui voit des fantômes et qui tombe sur une tragédie séculaire qui apporte créatures cauchemardesques reviennent à la vie dans sa ville natale de jugement. Une animation affectueusement bizarre, des personnages inoubliables et une véritable affection pour toutes les choses horribles se combinent dans un film cinématographique net et émotionnellement mature pour tous les âges.

    Caractéristiques de mise au point

  • 8. "Arthur Christmas" (2011)

    Un nouveau classique des Fêtes est né dans «Arthur Christmas», un délice pour les cuisses et la chaleur de Aardman Animation. Le Père Noël (Jim Broadbent) prend sa retraite et est sur le point de laisser toute l'opération du Pôle Nord à son fils aîné, Steve (Hugh Laurie), un homme d'affaires dépassé et soucieux des affaires. Mais lorsque Steve laisse accidentellement un cadeau non livré, le plus jeune du Père Noël, Arthur (James McAvoy), se charge de parcourir le monde à la toute dernière minute et de prouver que chaque enfant compte. Adorable au nième degré, indéniablement excitant et sacrément parfait.

    Sony

  • 7. "Coco" (2017)

    Pixar n'a jamais été un studio pour se détourner des grands concepts pour adultes dans un film de famille, et leur superproduction oscarisée sur la mort et le plagiat ne fait pas exception. "Coco" raconte l'histoire de Miguel (Anthony Gonzalez), dont la famille a interdit la musique de leur vie, mais qui veut tellement être un chanteur qu'il se rend au Pays des Morts pour obtenir l'aide de son arrière-arrière-grand musicien- grand-père. Un film magnifiquement réalisé, aussi transporteur que n'importe quel film d'animation de cette décennie, "Coco" vous invite dans un monde incroyable, puis vous brise le cœur avec chaque nouvelle interprétation transformationnelle de sa chanson oscarisée "Remember Me", qui change de sens et toute l'histoire à chaque fois qu'elle est jouée.

    Disney / Pixar

  • 6. "Spider-Man: dans le Spider-Verse" (2018)

    Alors que les studios luttent pour capturer, posséder et détenir chaque franchise de super-héros sous clé, "Spider-Man: Into the Spider-Verse" ose affirmer que chaque version de chaque personnage classique est tout aussi importante et valide. Réalisé par Bob Persichetti, Peter Ramsey et Rodney Rothman, le film met en vedette Shameik Moore dans le rôle de Miles Morales, qui prend le manteau Spider-Man lorsque son prédécesseur décède et, ce faisant, ouvre accidentellement un portail interdimensionnel et tire plusieurs autres personnes araignées dans la réalité de Miles. Vif et passionnant, et aussi bouleversant sur le plan émotionnel que n'importe quel film de héros de super-héros jamais réalisé, "Into the Spider-Verse" utilise également des techniques de narration innovantes qui transmettent le voyage héroïque de Miles à travers tout, des voix off évolutives aux taux d'images croissants. Une réalisation animée étonnante à tous les niveaux.

    Sony

  • 5. "Toy Story 3" (2010)

    La saga «Toy Story» s'est conclue – pendant un certain temps en tout cas – par une suite animée complexe et absorbante sur les soins de fin de vie, l'abandon et, heureusement, les nouveaux départs. Woody (Tom Hanks), Buzz (Tim Allen) et les quelques jouets qui ont survécu dans l'adolescence de leur propriétaire sont donnés à une garderie quand Andy part à l'université, seulement pour découvrir que l'amertume a consumé leurs frères. Ils luttent pour trouver un moyen de survivre dans un nouvel environnement horrible et finissent par se réconcilier dans un moment absolument dévastateur avec leur propre mortalité collective. Et pourtant, c'est aussi drôle! Peu de films combinent aussi bien le sinistre et le sublime que "Toy Story 3".

    Walt Disney Studios

  • 4. "Le soutien de famille" (2017)

    Franche, déchirante et inspirante de "The Breadwinner" de Nora Twomey se déroule à l'intersection de la vérité brutale et de la fiction fantastique. Parvana (Saara Chaudry) est une jeune fille vivant en Afghanistan, où l'oppression des femmes est systémique, la corruption sévit et une famille sans patriarche ni même enfant de sexe masculin se retrouve complètement impuissante. Lorsque son père Nurullah (Ali Badshah) est arrêté, ni elle, ni ses soeurs ni sa mère ne sont même autorisées à acheter de la nourriture, alors elle se coupe les cheveux et essaie de gagner de l'argent pour nourrir sa famille et libérer son proche de la persécution. Et à travers tout cela, elle raconte des histoires qui reflètent, encouragent et célèbrent sa lutte. Un cinéma incroyablement animé et incroyablement magistral et puissant.

    TIFF

  • 3. "Inside Out" (2015)

    Le plus grand film de Pixar de la décennie est l'histoire d'une petite fille triste. Extérieurement, cela ne semble pas angoissant, mais la plupart de "Inside Out" se déroule dans l'esprit de Riley (Kaitlyn Dias), comme ses émotions les plus puissantes – Joy (Amy Poehler), Sadness (Phyllis Smith), Fear (Bill Hader), le dégoût (Mindy Kaling) et la colère (Lewis Black) – luttent pour s'adapter à de nouveaux sentiments complexes qui pourraient conduire Riley à la maturité ou l'envoyer en spirale dans la maladie mentale. Les machinations bizarres de l'esprit humain prennent vie de façon étrange, drôle et parfois complètement abstraite, et la voie à suivre est chargée d'auto-analyse et de chagrin. Et oui, c'est aussi extrêmement drôle. "Inside Out" est le genre d'histoire incroyablement inventive qui semble, rétrospectivement, comme si elle aurait dû être racontée il y a toujours. C’est un minuteur.

    Pixar

  • 2. "Summer Wars" (2010)

    Aucun cinéaste, quel que soit le support, n'a produit autant de chefs-d'œuvre que Mamoru Hosoda au cours de cette décennie. «Wolf Children», «The Boy and the Beast» et «Mirai» sont tous des films magiques sur les douleurs et les joies des liens familiaux, mais «Summer Wars» – sorti en 2009 à l'étranger, en 2010 aux États-Unis – est son chef-d'oeuvre. Un jeune génie des mathématiques est invité à une réunion de famille pour prétendre être le petit ami d'une jeune femme, mais quand il déchire accidentellement un code mathématique apparemment inoffensif, il déchaîne un virus conscient de lui-même sur Internet futuriste qui menace toute vie sur la planète. "Summer Wars" imagine le monde interconnecté de l'avenir comme une simple extension d'une unité familiale en forme de spirale, aussi pleine de colère que de compassion, dans laquelle les plus grandes histoires possibles sont racontées en microcosme et les plus petites querelles de famille ont apparemment conséquences infinies. «Summer Wars» est l'un des rares films de science-fiction qui offre un espoir durement gagné, plaidant de manière convaincante pour tout l'avenir de la race humaine.

    Warner Bros.

  • 1. "C'est une si belle journée" (2012)

    Don Hertzfeldt vous invite dans un esprit effondré, stupéfiant et tragique dans son chef-d'œuvre "C'est une si belle journée." Le film, composé de trois épisodes – débutant en 2006 et finalement terminé six ans plus tard – est l'histoire de Bill, dont les observations et les faiblesses quotidiennes excentriques se déroulent progressivement jusqu'à la révélation majeure qu'il vit avec une condition cérébrale potentiellement mortelle qui est lui faisant perdre sa raison. Hertzfeldt lui-même raconte, avec sympathie et avec émotion, les petits moments qui composent la vie déchirante de Bill, tandis que l'animateur utilise son style de figure de bâton de marque pour attirer le public dans une fausse sécurité. "C'est une si belle journée" se décompose si soudainement et au hasard que la seule option dont dispose le spectateur est de se laisser complètement entraîner dans son état de cauchemar hypnotique et hallucinogène. C'est une histoire poignante, profondément humaine, et aussi proche que n'importe quel long métrage de cette décennie est devenu une véritable poésie.

    Films amers

Diapositive précédente
Diapositive suivante

Bilan de la décennie: «Frozen» et «Coco» figurent parmi les faits saillants de la décennie

On ne peut pas s'y tromper: le médium d'animation a absolument explosé dans les années 2010, avec des films dans tous les médiums, de partout dans le monde, et pour chaque public possible atteignant des sommets artistiques incroyables tout au long de la décennie. Réduire les meilleurs films d'animation des années 2010 à seulement 10 choix était pratiquement une course de dupes, et a conduit à de nombreux sacrifices de films drôles, poignants, passionnants et tout à fait uniques qui – un autre jour ou dans tout autre décennie – aurait pu facilement comprendre toute cette liste à la place. Mais ces 10 longs métrages d'animation méritent indéniablement d'être célébrés et acclamés, et semblent destinés à captiver autant le public de demain que le public d'aujourd'hui.